Sur la Route du Cinéma - -_les_films_-_ne_les_ratez_pas_aaah_oui_

I feel good de Steve Walker ***

noreply@ (Pascale) — Sun, 28 Dec 2008 08:38:00 +0100

Ce documentaire suit les 7 semaines de répétition et le concert donné par la chorale Young@heart. Cette chorale cumule plusieurs particularités. Ses membres ont entre 73 et 92 ans, ils ne chantent aucun vieux classique de Franck Sinatra mais revisitent des classiques du rock et de la pop (Talking Heads, Sonic Youth, James Brown etc…) et sont dirigés par un gamin de 53 ans, le merveilleux et infatigable Bob Cilman.

A une époque où le « jeunisme » fait rage et où être jeune est carrément devenu une qualité, c’était un sacré pari d’oser et surtout de réussir un film dont la moyenne d’âge des personnages soit aussi élevée ! Suivre l’évolution, la progression (ou pas), les difficultés parfois insurmontables rencontrées est absolument captivant. Si la justesse et le rythme ne sont pas toujours au rendez-vous, l’énergie et l’enthousiasme sont bien réels et tout à fait communicatifs. D’autant que les chansons, on les connaît et que ces vieux y imprègnent leur vécu rendant par là même à certaines tout leur sens.

A aucun moment, les personnages, dont certains sont réellement très très attachants ne prennent un ton sentencieux, ne donnent de leçon et ne cèdent à la facilité du « c’était mieux avant ». Par contre, ils ont tous, pour certains plus âgés ou plus malades que d’autres, conscience de l’imminence de la mort ce qui rend le film particulièrement émouvant voire bouleversant par instants. D’ailleurs trois des membres mourront avant ou juste après le concert et la mort d’un des piliers de cette chorale, le très charismatique Bob, donnera l’occasion à une des choristes d’interpréter un saisissant « Nothing compares », et à un autre un très très poignant "I fix you" dont les paroles particulièrement bien adaptées prendront une intensité troublante.

J’avoue qu’il est parfois difficile d’empêcher les yeux de s’embrumer tant on est conquis par l’humour parfois noir, la bonne volonté pas toujours payante et l’énergie ambiante. La séquence où la chorale donne un mini concert en plein air dans une prison devant des « pensionnaires » d’abord surpris puis conquis et franchement captivés et sincèrement émus est un des beaux moments de ce film toujours étonnant. Lorsqu’on pénètre l’intimité et le quotidien solitaire ou difficile de quelques personnages on est encore plus bouleversé par leur lucidité et le combat qu’ils doivent mener contre la maladie. Et même si c’est contre leur gré et un peu par bravade, un homme dira : « la vie, on n’en sort jamais vivant », une femme sortie du coma à qui on demande si elle a vu la fameuse lumière blanche répondra « j’ai refusé de regarder », déclenchant l’hilarité.

Mais au-delà de leur « grand » âge ce qui rassemble et unit toutes ces personnes c’est bel et bien la musique qui, je peux en témoigner, quand on la pratique est un merveilleux exutoire, un antidote au spleen, à l’ennui, à la mélancolie. C’est magique, miraculeux… vital, comme ce film !

Louise.Michel de Gustave Kervern et Benoît Delépine ***

noreply@ (Pascale) — Fri, 26 Dec 2008 09:52:08 +0100

Le patron d’une usine offre à ses ouvrières un cadeau qui les surprend : une blouse neuve. Le lendemain, lorsqu’elles entrent dans l’atelier, tout a disparu. Indemnisées une misère, elles décident, poussées par Louise, de mettre leurs maigres indemnités de licenciement en commun pour engager un tueur et buter le patron. Louise rencontre par hasard Michel, petit malfrat minable qu’elle présente comme l’assassin de JFK… mais il ne faut pas trop en parler.

Les auteurs examinent les conséquences de la crise et de la délocalisation sauvage sur les « petites » gens qui comprennent parfaitement que ce sont toujours eux les relégués dont on se débarrasse avec une poignée d’euros. Hélas pour les victimes, elles se trompent constamment de cîble. Difficile de savoir qui est réellement le patron : celui qui dirige l’usine, les actionnaires, la grande compagnie invisible masquée derrière une boîte à lettres dans un paradis fical ?

Le ton libertaire et amoral est servi ici par un humour très noir porté par un duo de bras cassés néanmoins prêt à aller jusqu’au bout du contrat. Peut-on rire de tout ? Oui répondent sans hésiter les réalisateurs qui vont jusqu’à faire utiliser des malades en phase terminale pour effectuer la salle besogne ! Au hasard de ce road movie assassin on croise également Benoît Poelvoorde qui reconstitue dans son jardin l’attentat du 11 septembre… ce qui n’est évidemment pas le moins hilarant de ce film totalement barré qui ne fait pas dans la dentelle. Kervern et Delépine peuvent incontestablement remercier Yolande Moreau à la présence toujours aussi saisissante et Louli Banners veule et attendrissant qui prêtent leur génie à cette farce où l’un et l’autre doivent égalementi jouer avec une identité sexuelle quelque peu malmenée. Difficile de les dissocier tant leur talent, leur ingénuosité, leur poésie extravagante, leur loufoquerie énorme sont en harmonie.

J’accorde néanmoins un bonus à la grande Yolande Moreau plus massive, inquiétante et implacable que jamais. Cette actrice est un momument sans cesse surprenant.

Ajoutez encore à cela une bande-son top niveau, quelques corons aux briques rouges, un accent belgo/picard et moi, je suis aux anges !

Le bon, la brute et le cinglé de Kim Jee-Woon ***

noreply@ (Pascale) — Sat, 20 Dec 2008 09:56:00 +0100

Trois baroudeurs solitaires et coréens se courent après en Mandchourie pour récupérer ou garder une carte aux trésors appartenant à un Japonais. On trouve le Cinglé, excité de la gâchette pas bien malin, la Brute tueur à gages sans pitié et le Bon, pas si bon que ça évidemment et chasseur de primes de son état.

Si ça ne vous rappelle rien, je ne peux rien pour vous !

Le « Bittersweetlife » du même Kim m’avait déjà particulièrement emballée et aussi (je l’avoue) la découverte de son magnifique (et très bon) acteur Lee Byund-Hun qui compose ici une bien belle brute, cruelle et élégante. J’avais déjà à l’époque évoqué les références à Quentin Tarantino et Sergio Leone mais ici il s’agit bel et bien du premier western spaghetti asiatique revendiqué haut et fort et par ailleurs d’un superbe hommage au cinéma et particulièrement au film indépassable de Sergio Leone.

Kim Jee-Woon n’essaie pas de faire mieux, il fait différent avec des nuances tarantinesques (ne serait-ce que dans la musique et l’absurdité) non négligeables. S’il est possible de regretter quelques longueurs ici et là, on ne peut nier que les trois morceaux de bravoure, trois longues scènes tout simplement extraordinaires emportent le tout vers des sommets cultissimes : la scène d’ouverture d’attaque du train drôle et euphorisante, celle du « marché fantôme » belle et (faussement) brouillonne et la poursuite finale dans le désert où les bons, les méchants, les tueurs, les soldats, les tanks, les motos et les chevaux se dézinguent dans un joyeux fatras outrancier.

Tout est too much dans ce film pour un plaisir total et frénétique qui donne parfois envie de taper dans les mains. Les paysages naturels sont splendides et grandioses, les décors somptueux, les costumes magnifiques, les cascades chorégraphiées « à la coréenne » électrisantes, les dialogues absurdes et la musique décalée complètement vivifiante.

Evidemment cela se termine au milieu de nulle part où l’un de nos héros creuse pendant que l’autre tient le flingue… On ressort de la séance complètement rétamé mais ravi.

Secret Défense de Philippe Haïm ***

noreply@ (Pascale) — Thu, 11 Dec 2008 09:20:00 +0100

La lutte des services de la DGSE contre le terrorisme international et l’embrigadement des membres par les différentes organisations dont les méthodes de recrutement ne sont pas si opposées…

Voilà un film mené tambour battant, qui ne laisse pas une seconde de répit au spectateur et qui présente les services secrets français comme on les a rarement, voire jamais vus. En ce qui me concerne, j’ai plus « souvent mis les pieds » dans le bureau ovale, dans les locaux de la CIA que dans ceux de la DGSE ou de l’Elysée. La comparaison de ce film avec les grosses machines américaines n’est vraiment pas au désavantage du film français. Ici on voyage de Paris à Kaboul en passant par Beyrouth ou Damas à un train d’enfer pour déjouer une tentative d’attentat à Paris. C’est évidemment Ben Laden et Dieu dont on interprète toujours les paroles selon le sens du vent, qui sont à l’origine de toutes les haines et tous les tourments du monde. La plupart des intervenants est manipulée selon des procédés assez sidérants pour le commun des mortels et les multiples facettes des personnages donnent lieu à de véritables casse-têtes où l’on ne sait plus très bien qui triche, qui dit la vérité, à qui faire confiance, qui plaindre, où est le bon et le méchant, le bien, le mal !...

Dommage que l’on ait à regretter un épilogue un peu bâclé et vraiment invraisemblable car c’est une étudiante qui déjoue l’attentat, mais cette réserve ne nuit pas au plaisir et au stress assez considérables que provoquent le film, notamment lorsqu'on apprend que depuis le 11 septembre 2001, 17 tentatives d'attentat ont été empêchées sur le territoire français.

Au cœur de cette guerre sans pitié où l’homme n’est plus considéré comme un être humain mais comme une arme, se trouvent deux jeunes gens que tout oppose et que tout va finir par rassembler après une aventure absolument hors du commun. D’un côté, il y a Diane (Vahina Giocante, saisissante d’énergie, de fragilité et de maturité) étudiante en langues orientales qui va être recrutée de force sous la menace et signer un contrat qui l’engage pour 5 ans, courir mille dangers et se révéler un « agent » très à la hauteur (la scène où elle change radicalement de look en quelques secondes dans le métro est vraiment emballante). De l’autre, Pierre, jeune paumé se trouve au mauvais endroit au mauvais moment. Il purge une peine de prison et partage sa cellule avec des islamistes qui vont le « recruter » en lui faisant miroiter un sens à sa vie. J’avoue que toutes les scènes qui le concernent sont celles qui m’ont le plus impressionnées. Bien qu’elles n’ôtent rien à l’aspect réaliste du film (sauf la fin), c’est le parcours de Pierre (Nicolas Duvauchelle, époustouflant) qui m’a semblé le plus proche d’une réalité qu’on peut concevoir. Les passages dans la prison nous prouvent que tout ce qu’il y a de petits ou grands délinquants sont parqués dans des cellules minuscules, que la cour de promenade est l’endroit où les petits chefs peuvent continuer de se la jouer caïd, que l’on peut se convertir à l’islam selon une cérémonie qui se prend très au sérieux, que les nouveaux se font violer sous les douches. Lorsque Pierre ressort, il ne s’appelle plus Pierre mais Aziz, il bredouille trois mots d’arabe, se fait mettre dehors par sa mère qui n’en peut plus de ses incartades et se retrouve en Afghanistan pour suivre une formation de martyre, un véritable entraînement au meurtre dans une langue qu’il ne comprend pas. C’est tout simplement cauchemardesque et hallucinant et Nicolas Duvauchelle porte à ravir toute la fièvre et la fragilité d’un tel rôle. Il est bouleversant.

Tout le casting est au diapason de ce thriller politique d’espionnage captivant de bout en bout. Gérard Lanvin et Simon Abkarian sont les deux chefs des deux camps opposés et ont la même froideur, la même cruauté. Ils sont parfaits. Mais Vahina Giocante et Nicolas Duvauchelle restent les deux très attachantes surprises qui donnent LA raison en plus de se déplacer pour voir ce film rare, mouvementé, documenté, sombre, intelligent, impressionnant.

Leonera de Pablo Trapero ***

noreply@ (Pascale) — Tue, 09 Dec 2008 08:00:00 +0100

Julia se réveille difficilement un matin. Deux hommes couverts de sang gisent près d’elle dans son appartement. L’un d’eux est mort. Julia ne parvient plus à se souvenir ce qui s’est réellement passé mais elle est incarcérée et condamnée pour meurtre. Elle découvre qu’elle est enceinte et doit donc vivre les premières années de sa détention (jusqu’aux 4 ans de l’enfant) dans un quartier réservé aux femmes qui ont des enfants nés en prison. Malgré les jouets, les poussettes, les cris d’enfants on est bien loin du paradis d’autant que Julia va devoir se battre pour retrouver son enfant lorsque sa mère va décider de lui enlever estimant que la place du petit n’est pas en prison…

Après le film sur les conditions de vie dans une prison d’Irlande (« Hunger ») et celui sur ce qu’on est capable de faire par amour (« Pour elle ») voici le film qui cumule les deux thèmes et en explore un troisième, rarement aussi bien exploité au cinéma, l’instinct maternel. Car c’est de cet amour dont il s’agit, celui qu’une mère porte à son enfant et qui se révèle malgré l’horreur, l’enfermement, la promiscuité.

N’imaginez pas (comme je l’ai fait) que « Leonera » est un prénom de femme, cela signifie à peu près « lionne en cage », et Julia va en devenir une, s’effondrer d’abord puis se relever. Son combat et sa résurrection sont magnifiques. D’abord terrassée par ce qui lui arrive elle reste prostrée dans sa cellule. Hostile à cette grossesse, elle va jusqu’à se marteler le ventre de coups de poing pour tenter de l’interrompre. A la naissance du petit Tomas, la mère et le fils vont se rejeter mutuellement mais provisoirement, puis s’apprivoiser l’un l’autre peu à peu. C’est le triomphe d’un sentiment, d’une attirance plus forts que soi. Grâce à la complicité, l’entraide, la fraternité (aucun mot n’existe pour les filles !!!) des autres et à la tendresse de Marta co-détenue patiente, admirable, maternelle et amoureuse, à l’amour démesuré qu’elle porte à son fils, Julia va retrouver le sourire et surtout des raisons de vivre.

Malgré un sujet éminemment mélodramatique, à aucun moment le réalisateur (et sa fabuleuse actrice) ne sombrent dans le pathos et le misérabilisme et cela relève de l’exploit. Tout est traité avec dignité, sobriété et humanité bien qu’à aucun moment les conditions de détention dans cette prison de Buenos Aires ne soient présentées comme idéales. Au contraire, l’ambiance est déplorable et les bruits de fond, portes qui claquent, pas qui résonnent, sont constants. Mais la solidarité qui règne entre ces femmes, quoiqu’elles aient pu faire pour se retrouver là, leur façon de couver leurs enfants étreignent le cœur.

Et Julia est incarnée par une actrice extraordinaire Martina Gusman (sosie d’Angelina Jolie par moments) vraiment impressionnante, qui porte en elle la rage, la révolte et l’émotion d’un rôle immense. Elle est de ces héroïnes, comme le font plusieurs personnages du film, qu’on a envie de prendre dans ses bras, de rassurer et d’embrasser.

Tout le film est centré sur elle et pourtant il n’oublie jamais de nous rappeler constamment où nous sommes avec elle : en prison. La fin est peut-être invraisemblable mais le dernier quart d’heure n'en est pas moins absolument palpitant… J’ai vraiment hâte de retrouver cette actrice merveilleuse.

Une famille chinoise de Wang Xiaoshuai ***

noreply@ (Pascale) — Wed, 03 Dec 2008 11:18:00 +0100

Avant toute chose, il est vraiment dommage que le titre original « Zuo you » (littéralement gauche/droite) traduit en anglais « In love we trust » soit devenu en français, trop banalement « Une famille chinoise »… tant pis.

Mei Zhu et Xiao Lu sont divorcés mais ont une petite fille de cinq ans Hehe. Ils ont refait leur vie chacun de leur côté, lui avec une femme beaucoup plus jeune en mal d’enfant, elle avec un homme simple et aimant qui a élevé la petite. Lorsque les parents apprennent que Hehe est atteinte d’une leucémie qui nécessite un don de moelle osseuse, tout est remis en cause. Ni le père, ni la mère ne sont compatibles et le médecin évoque l’idée qu’un petit frère ou une petite sœur aurait sans doute pu l’être.

Même si la maladie de la petite fille est au centre de l’histoire, le thème n’en est pourtant pas « l’enfant médicament » qui lui sauverait la vie mais bien les réactions aux différents problèmes qui se posent. Et ce film d’une humanité frémissante abonde en interrogations et questionnements face à la décision à prendre.

La mère de Hehe qui s’effondre peu à peu de voir sa fille s’épuiser, réussit à convaincre le père de lui fournir son sperme pour une insémination artificielle, lui-même ayant réussi à convaincre sa jeune épouse jalouse, de le faire. Mais en Chine, seulement trois inséminations sont possibles et les parents, après quelques discussions vraiment émouvantes décident donc pour sauver leur fille d’en passer par la façon la plus classique du monde de faire un enfant. Doivent-ils le dire ou le cacher à leur conjoint respectif ? Comment leur annoncer ? Comment vont-ils réagir ? Que vont-ils choisir de « sacrifier » ?

Bien que tourné à Pékin, le réalisateur rend son film parfaitement universel en le situant loin des quartiers touristiques mais dans le Pékin, grand chantier, où les tours d’immeubles succèdent aux tours d’immeubles en construction. Cela donne à la ville, traversée par un métro aérien, un aspect de banlieue grouillante d’activité. Ici tout le monde travaille, les hommes comme les femmes. Ils ont des problèmes routiniers de courses à faire, d’horaires à respecter, de vie de famille à protéger comme dans toutes les grandes villes du monde. Le quotidien est un peu tristouille mais comme partout, on a l’impression que rien ne peut venir le perturber.

Ici la vie d’un enfant est en jeu et malgré cette intrigue hautement mélodramatique, à aucun moment, malgré le désarroi palpable de chaque personnage, le réalisateur (gloire à lui !) ne vient chercher nos larmes. Par contre, on est absolument frappé, troublé et vivement ému par la haute tenue de l’ensemble. Notamment par la mise en scène qui réserve d’agréables surprises ; on comprend à la fin pourquoi le film commence par un trajet en voiture où on entend une voix de femme dire « à gauche… à droite », on comprend tardivement pourquoi il est important que la mère ne sâche pas verrouiller le clavier de son téléphone portable etc.

Quant à la compassion, l’intelligence et la subtilité des dialogues, des situations, l’ouverture d’esprit, la réflexion adulte et responsable, l'interprétation exceptionnelle, elles font de ce film délicat, douloureux et chaleureux une totale réussite qui bouleverse.

Johnny Mad Dog de Jean-Stéphane Sauvaire ***

noreply@ (Pascale) — Tue, 02 Dec 2008 15:36:00 +0100

Le quotidien d’un groupe d’enfants soldats au Liberia qui fut ravagé par une guerre civile de 1990 à 2003.

Dès la scène d’ouverture, on sursaute. Un groupe de sauvages armés jusqu’aux dents pénètre violemment dans des maisons. Ils forcent tous les habitants à sortir de chez eux, les frappent, en tuent certains. Ils hurlent, éructent plutôt des ordres incohérents, menacent ! Ils isolent un jeune garçon d’une dizaine d’années, lui collent un fusil entre les mains et lui ordonnent de choisir entre tuer son père à genoux devant lui ou se faire tuer lui-même. L’enfant appuie sur la gâchette. On est cloué sur place. Tout se passe dans la plus grande confusion, au milieu de hurlements et d’agitation. Rapidement on constate que le groupe armé est aussi un groupe d’enfants de 10 à 15 ans environ qui sont formés pour tuer par des adultes minables, misérables, véritables ordures qui les embrigadent, les endoctrinent, se faisant appeler « général », leur inculquant un entraînement « à la G.I », leur promettant que les balles vont se transformer en gouttes d’eau sur eux, les assurant qu’ils sont invincibles. Ils les envoient au combat en première ligne, drogués, saoûlés, affamés… Ces gosses complètement sous influence, parfois fascinés par leur chef n’ont plus que le choix de tuer pour une cause qu’ils ne comprennent pas et qui peut varier d’un jour à l’autre.

Le réalisateur accorde peu de temps de répit au spectateur et prend le parti de l’immerger complètement dans la violence quotidienne. Il maintient une tension quasi permanente en ne prenant aucune distance avec une réalité que le choix des jeunes acteurs (dont la plupart sont d’anciens enfants soldats démobilisés choisis dans les ghettos de Monravia capitale du pays en reconstruction) rend plus authentique encore. On est pétrifié de voir ces jeunes garçons au regard à la fois durs et perdus et comme affolés accomplir ces meurtres, ces viols, ces pillages. On est ému et troublé de découvrir la part d’enfance qui parvient à résister en eux malgré les horreurs qu’ils commettent. La plupart se déguisent, arborent des colliers porte-bonheur, un autre ne quitte pas sa poupée, un autre encore a des ailes accrochées dans le dos. Ils choisissent des noms de guerre : Johnny Mad Dog (le jeune Christopher Minie est époustouflant), Butterfly, No Good Advice, Small Devil… et en oublient leurs véritables noms.

A la périphérie de cette réalité d’agressivité et de brutalité, on suit Laokolé, une jeune adolescente qui tente de s’en sortir en étudiant à l’école. Au milieu du fracas, du bruit des armes qui la terrifie, déterminée et sans verser une larme, elle tentera de sauver son petit frère et son père. Elle avancera au milieu du chaos et essaiera d’expliquer à Johnny qui l’a remarquée et qui lui déclare « je peux avoir toutes les femmes que je veux » la différence entre aimer et violer. Et après ce qu’elle a traversé, on se demandera comment elle peut y croire encore !

Le film de Jean-Stéphane Sauvaire est un nouveau coup de poing qui chahute et maltraite le spectateur, mais hélas, il dépeint une réalité encore bien d’actualité puisque « l'ONU estime à environ 300.000 le nombre d'enfants soldats en activité, dans une douzaine de pays : Afghanistan, Colombie, République Démocratique du Congo, Ouganda, Tchad, Birmanie, Philipines, Sri Lanka »…

La fondation Johnny Mad Dog

« Cette fondation est née avec la volonté d'apporter un encadrement et un suivi aux enfants acteurs du film. Une quinzaine d'enfants, entre douze et dix sept ans, ont été pris en charge pendant un an pour être formés au métier d'acteur, de juin 2006 à mai 2007, date de fin du tournage. Depuis, la fondation a mis en place un programme pédagogique à Monrovia, géré par un éducateur, axé autour de leur éducation et leur santé, avec pour mission de les aider dans leur vie quotidienne et de développer avec eux, à plus long terme, leurs projets personnels. Sa volonté est d'élargir son action aux jeunes libériens victimes de 14 ans de guerre civile en développant des programmes éducatifs et culturels comme moyen de réinsertion ».

Le plaisir de chanter d’Ilan Duran Cohen ***

noreply@ (Pascale) — Sat, 29 Nov 2008 08:39:00 +0100

Muriel et Philippe, deux agents très spéciaux qui se vouvoient et jouent au chat et à la souris avec leurs sentiments, sont à la recherche d’une clé USB qui renferme des éléments à propos d'un traffic d’uranium. Constance, femme d’un banquier assassiné qui aurait un rapport avec les trafiquants pourrait être en possession de cette clé. Pour l’approcher, les deux agents sont contraints d’intégrer un cours de chants lyriques fréquenté par Constance et sans doute infiltré par d’autres agents…

L’intrigue importe peu et on s’en fiche d’ailleurs éperdument, ce qui est essentiel ici ce sont les personnages et le lieu singulier où ils se croisent, se rencontrent, se séduisent par opportunisme ou par passion : l’appartement de la professeur de chant.

Tout cela est tellement euphorique, euphorisant, loufoque et réjouissant que je me trouve bien démunie pour évoquer l’ambiance à la fois tourbillonesque et nonchalante qui plane dans cette histoire complètement déjantée où chaque personnage est un peu schizophrène. En effet, qu’ils fassent partie de l’équipe des bons ou de celle des méchants, tous sont prodigieusement romantiques et cachent leur véritable nature en se montrant plus forts et optimistes qu’ils ne le sont en vérité. En fait, ils sont tous fragiles et rêvent d’amour. Certains le trouveront, d’autres en mourront mais à peu près tous chanteront, plus ou moins bien, plus ou moins justement, mais les scènes de chant élèveront néanmoins l’âme et le cœur.

Le casting et l’interprétation sont au diaposon de ce film charmant, charmeur, aux dialogues et situations parfois crus où l’âge, la peur de vieillir, de ne plus être beau ou belle, de ne plus plaire, de ne pas être aimé sont au centre des préoccupations. Tout le monde est embarqué par une Jeanne Balibar délicieusement déjantée, aussi à l’aise et spontanée dans la tragédie que dans l’extravagance et la naïveté.

Mais la révélation vient d'un tout jeune comédien, Julien Baumgartner qui dans un rôle complètement casse-gueule et audacieux de "pute", ex acteur de porno, ne se contente pas d’être très beau mais insuffle beaucoup de douceur et d’authenticité à son personnage impudique et très très sentimental.

Hunger de Steve Mc Queen ***

noreply@ (Pascale) — Thu, 27 Nov 2008 20:43:00 +0100

Les derniers mois de la vie de Bobby Sands, militant de l’Ira incarcéré à la Prison de Maze en Irlande du Nord, et surtout sa lente et douloureuse agonie consécutive à sa grève de la faim en 1981.

Comme chaque matin un homme se lève, fait sa toilette, soigne les plaies qu’il a aux mains, prend son petit déjeuner et part au travail. Sa femme le regarde inquiète à la fenêtre. L’homme scrute la rue et inspecte sa voiture avant de démarrer. Sa femme soupire, soulagée, aucune bombe n’a explosé. Cet homme n’exerce pas n’importe quel métier : il est gardien de prison et ses plaies proviennent des coups qu’il assène aux prisonniers qu’il est chargé de surveiller. La prison n’est pas n’importe laquelle et les prisonniers ne sont pas ordinaires non plus. En fait, Abou Ghraib et Guantanamo ne sont pas des « inventions » récentes, au début des années 80 et avec la bénédiction de Madame Thatcher, existait déjà un endroit d’une inhumanité révoltante et aux pratiques scandaleuses.

Ce film ne nous parle pas de ce que ces prisonniers ont fait, il n’en sera jamais question, mais nous démontre comment des hommes pratiquent la barbarie sur d’autres hommes. La seule façon qu’ont ces derniers de résister et faire valoir certaines revendications est d’utiliser leur corps, le dernier « outil » qui leur reste pour s’exprimer. Ces hommes réclament le statut de prisonniers politiques qui leur sera refusé. En signe de protestation, pendant plus de quatre années ils vont repousser l’idée de porter les uniformes des criminels de droit commun, ne plus se laver, faire leurs besoins à même le sol, couvrir les murs de leur cellule de leurs excréments et déverser leur urine dans les couloirs. Autant ne pas y aller par quatre chemins, un film qui sent autant la pisse et la merde est une véritable révolution. Steve Mc Queen (non pas lui, l’autre) ne nous épargne rien des conditions de détention, de la violence des gardiens qui eux aussi travaillent dans des conditons épouvantables, de l’extrême dénuement (dans tous les sens du terme) des prisonniers. Il scrute les corps et tout ce qu’ils produisent, fouille les plaies, nous assomme de bruits ou nous abasourdit de silence. Ce film est une expérience. Quasiment muet, à l’exception d’une conversation fleuve, passionnante, non dénuée d’humour, en un seul plan fixe fascinant où Bobby Sands le « héros » annonce au prêtre de la prison qui tente de l’en dissuader son intention de faire une grève de la faim.

A partir de là, on assiste, désemparé, hypnotisé au déclin par étapes mais néanmoins rapide de l’état de Bobby Sands. Encore une fois le réalisateur ne lésinera pas sur la description clinique des différents stades. A partir de ce film, plus personne ne pourra entendre parler de grève de la faim et s’imaginer (comme c’était mon cas) qu’on mourait « simplement » et progressivement d’épuisement de ne plus manger. Il n’en est rien, l’agonie s’effectue dans les pires souffrances.

Si Steve Mc Queen souhaitait faire un film qui apostrophe, choque, perturbe et scandalise le spectateur, son pari est réussi. Rarement film âpre et brutal, n’aura été si cru, implacable et radical… et pourtant d’une beauté « plastique » indéniable malgré l’odeur et la crasse. Oui cela peut paraître paradoxal ! Que dire de Michaël Fassbender magnifique et dévoré par son rôle qu’il pousse au-delà des limites de la performance ? Qu’on peut aussi raisonnablement se demander comment et pourquoi un acteur, comme Christian Bale pour « The machinist », met autant sa santé et peut-être sa vie en danger pour interpréter un personnage ?

J’irai dormir à Hollywood d’Antoine de Maximy ***

noreply@ (Pascale) — Fri, 21 Nov 2008 07:50:00 +0100

Antoine de Maximy est comme son film et ses deux caméras : un prototype ou plutôt un type unique en fait. Il a parcouru les Etats-Unis seul d’est en ouest avec pour objectif ou plutôt comme prétexte de dormir chez une star hollywoodienne. Il en est le seul « acteur », mais aussi le réalisateur, caméraman, interviewer et personnage. Il va, au long de son périple rencontrer des gens, des « vrais » américains comme il dit, se faire inviter (ou pas) à manger chez eux et dormir (ou pas) chez l’habitant. A pied, en stop, en taxi, en bus, à vélo… aucun moyen de locomotion ne lui résiste jusqu’au jour où lassé par ce manque d’autonomie et d’indépendance, il décide d’acheter une vieille voiture mais qui roule encore pour finir le voyage. Son choix se portera sur un corbillard qu’il repeint en rouge vif pour le rendre plus gai. Cette voiture provoquera l’admiration, la moquerie ou la crainte.

Ce film passionnant et ovniesque est tour à tour hilarant, émouvant ou inquiétant. On est d’abord impressionné, surpris, subjugué même par l’accueil, l’amabilité et l’hospitalité des américains. Sans compter que certains ont un humour vraiment décapant. Il faut dire que le sourire, la gentillesse et l’intérêt que porte Antoine de Maximy à ses interlocuteurs le rendent éminemment sympathique.

Evidemment on ne fait sans doute que survoler l’étendue, la richesse et la diversité de ce qui se passe aux Etats-Unis. Mais la totalité des portraits tracés est captivant et permet de mesurer toutes les différences entre ce pays grand comme un continent et le nôtre.

Certaines rencontres frappent plus que d’autres bien sûr et il arrivera à notre charmant hurluberlu de devoir dormir au motel lorsqu’il ne parviendra pas à se faire accepter. Il y a des scènes d’une drôlerie et d’une cocasserie sans nom, comme celle où il suit à vélo une calèche qui transporte une famille Amish qui refusera de le recevoir, celle encore où il achète son improbable bagnole chez un vendeur complètement barré et constamment hilare. D’autres séquences nous présenteront des personnages beaucoup moins sympathiques comme ce type persuadé que tout le monde parle arabe en France et qu’il faudrait un bon Charles Martel pour remettre de l’ordre dans tout ça, ou cet autre au bord de la folie qui lui demande de le conduire à l’hôpital parce qu’il a été abandonné par sa mère, puis l’emmène chez lui pour qu’il le débarasse d’un chat qui le terrorise, ou cet autre encore, chauffeur de taxi qui lui demande sans cesse de ne pas l’approcher car il craint qu’il ne l’assassine…

Antoine de Maximy ne juge jamais et même si parfois il lève les yeux au ciel devant les âneries qu’il entend, s’il provoque à son insu et à sa grande surprise une dispute dans un bus entre un noir et une blanche, la plupart du temps il écoute, plaisante, s’amuse et entre véritablement en empathie sincère avec ses interlocuteurs comme avec ce vétéran du Viet-Nam qui prend le train pour se rendre à la prison où il devra purger une peine de 15 ans pour avoir possédé une arme sans permis (« j’en ai vu d’autres » dira-t’il), ou cette vieille indienne navajo qui dans une réserve avec sa famille s’étonnera qu’un blanc puisse avoir de la considération pour elle, ou ce SDF jadis agent immobilier qui vit sur une plage de Los Angelès en attendant qu’une retraite convenable lui soit versée dans cinq ans et avec qui il partagera une nuit à la belle étoile…

Le plus surprenant c’est que le réalisateur se faisant refuser un peu brutalement l’accès de la demeure d’une star de Hollywood par un garde du corps pas très affable se recule visiblement pas rassuré et qu’il n’hésitera pas à s’aventurer dans des quartiers de la Nouvelle Orléans réputés malfamés, dangereux, ravagés et laissés en l’état depuis le passage de l’ouragan Katrina ! A ce moment, le passage véritablement flippant du film, on tremble pour lui.

On traverse des villes énergiques comme New-York, survoltées comme Las Vegas, mais aussi des quartiers dévastés, des paysages grandioses, sublimes comme dans les plus beaux westerns, on parcourt des routes de campagnes, des nationales qui se perdent dans l’horizon, c’est l’Amérique rêvée, imaginée, supposée mais aussi surprenante, fantasque et inattendue. Ce n’est ni un film, ni un documentaire mais c’est du cinéma sans aucun doute, drôle, émouvant ou inquiétant.