Sur la Route du Cinéma

Un « Ghostwriter » est l’expression anglaise et beaucoup plus poétique de ce que nous appelons élégamment « un nègre ». Un de ces travailleurs de l’ombre, un « fantôme » est contacté pour reprendre l’écriture des mémoires de l’ancien Premier Ministre Britannique Tony Blair Adam Lang. C’est dans une île isolée au large de Boston qu’il rejoint le premier ministre et son équipe de proches, de collaborateurs et de gardes du corps pour peaufiner le travail déjà amorcé. Très rapidement il découvre que son prédécesseur ne serait pas mort tout à fait naturellement. Il va plonger peu à peu dans les arcanes du pouvoir, le jeu des apparences rarement conformes à la réalité, les grosses manipulations, les petites trahisons et réciproquement. Mais aussi il va rencontrer un homme autoritaire, colérique et charismatique qui souhaite que ses mémoires correspondent le plus possible à l’image d’une réussite exemplaire, et des femmes manipulatrices et apparemment dévouées au grand homme.

Et voilà donc ce « fantôme », homme assez ordinaire placé dans des situations très inhabituelles qui vont progressivement devenir de plus en plus troublantes et mystérieuses.

Je laisse le soin aux professionnels de la profession de voir si ça leur chante des correspondances entre la vie privée de Roman Polanski et celle du personnage de cet ex ministre rattrapé par son passé et une histoire peu reluisante qui doit le conduire devant le Tribunal pénal international de la Haye !!! J’y vois moi le grand film d’un grand réalisateur qui de la première à la dernière image nous manipule, nous secoue, nous conduit là où il veut sans nous perdre en route jamais, nous fait pénétrer dans les intrigues et manoeuvres du système politique international. C’est assez vertigineux et Polanski réussit cela à merveille. Un peu comme dans « Frantic » où comme ici le personnage principal se demande continuellement dans quelle machination il est tombé mais qui ne peut s’empêcher de s’aventurer toujours davantage dans ce merdier pour en connaître tous les rouages. Une mécanique, un dispositif, un engrenage infernal qui le conduisent de plus en plus loin sur des pistes de plus en plus malsaines, menaçantes et dangereuses pour lui. Et rien ne l’arrête. A mesure que des pièges se referment sur lui et qu’il en réchappe de plus en plus miraculeusement, il persiste dans son « enquête » et se met toujours davantage en péril.

Polanski soigne tout dans ce thriller parano-politico-hitchcockien passionnant, solide et labyrinthique. De l’interprétation à la musique dont les premières notes nous plongent instantanément dans l’atmosphère ténébreuse idéale, en passant par l’environnement et les couleurs. La maison du ministre perdue sur une colline balayée par les vents violents du large est un blockhaus, un véritable bunker isolé, protégé, surveillé et à la moindre occasion envahi par les journalistes de télévision et de radio. L’intérieur chic et raffiné est d’une excessive froideur. Le « ghostwriter » est immédiatement conduit dans un bureau dont l’immense baie vitrée donne sur la mer. De là, il peut observer les allées et venues, surprendre des conversations téléphoniques sans les entendre, imaginer sans comprendre vraiment ce qu'il voit.

Encore un film que j’ai eu envie de revoir immédiatement après être sortie de la projection. Que les grands (pas par la taille) réalisateurs continuent de réaliser de grands films au mépris de la 3 D et des effets spéciaux, est vraiment réjouissant. Oui, je trouve jouissif et jubilatoire de constater qu’il y a encore des histoires à raconter comme des puzzles à reconstituer et des acteurs à admirer. Ewan MacGregor dont la filmo est de plus en plus solide prouve une nouvelle fois l’ampleur de son registre. Son physique encore juvénile convient parfaitement à ce personnage qui se retrouve au coeur d'une histoire trop grande pour lui. Pierce Brosnan démontre quant à lui qu’il n’est jamais trop tard pour obtenir le plus beau rôle de sa carrière. Ce film bouillonnant, brillant et tortueux, dont la dernière image est une splendeur, est diabolique.

Steven Russell est flic, marié et un père de famille modèle car tout ce qu'il fait, il le fait bien ou plutôt très consciencieusement. Il est surtout et avant tout un menteur. "Grâce" à un accident de voiture qui lui fait prendre conscience du caractère éphèmère de la vie, il décide de ne plus tricher. Dans un premier temps il fait son coming-out, révèle son homosexualité, divorce de sa femme qui prend plutôt bien la chose. Il démissionne également car il reconnaît n'avoir été flic que pour tenter de retrouver sa mère qui l'avait abandonné à la naissance. Lorsqu'il retrouve cette femme, elle le rejette une fois de plus. Comme Steven est un incurable optimiste, il passe à autre chose mais constate qu'être gay ça coûte cher. Il faut dire qu'il est très généreux et prend un plaisir compulsif à faire des cadeaux à l'élu de son coeur. Il se transforme donc en arnaqueur professionnel aux assurances puis à une grande entreprise dont il parvient à être le directeur financier. C'est en prison qu'il va rencontrer l'amour de sa vie : Phillip Morris un jeune homme tendre et doux, tellement gentil qu'il a souvent été exploité. Le coup de foudre est immédiat et l'amour réciproque. Steven promet de protéger et d'aimer Phillip toute sa vie.

Cette histoire est vraie. Elle est magnifique et terrifiante. Terrifiante parce qu'arrêté et jugé, Steven a été condamné à une peine exemplaire, la perpétuité, pour s'être foutu de celui qui était Sénateur à l'époque : G.W.Bush ! Ce type n'a tué personne et a même permis de faire faire des bénéfices conséquents à l'entreprise. Mais l'Amérique ne plaisante pas avec les gays tricheurs apparemment.

Par contre l'histoire d'amour entre les deux hommes est si belle et si forte qu'elle devrait faire fondre les coeurs les plus endurcis. Dans le rôle des amoureux ce n'est plus un secret pour personne : deux acteurs de grand talent, dont un de génie...

Ewan Mc Gregor qui fut Jedi ou junkie n'a jamais eu peur de se confronter à des rôles difficiles et différents. Il est ici absolument adorable, craquant, charmant, délicieux, épatant en amoureux chouchouté qui attend Chéri à la maison pendant qu'il travaille. Son incomparable et irrésistible sourire d'enfant fait le reste.

Mais évidemment et comme toujours Jim Carrey est absolument époustouflant, j'ose le mot : G.E.N.I.A.L. dans ce rôle qui lui permet de démontrer à nouveau, comme dans les merveilleux "Man of the moon" ou "Eternal sunshine of the spotless mind" à quel point il est capable de tous les excès aussi bien dans la fantaisie, l'humour et l'exentricité que dans l'émotion, la douleur et le désarroi. Roi de l'arnaque, de l'évasion, du masochisme le plus radical, de l'auto-destruction et amoureux transi, rien ne lui résiste ici et toujours il est crédible. Cet acteur est tellement unique, tellement complet, qu'à chaque fois je me demande combien de temps il va falloir l'attendre pour le retrouver à nouveau sur les écrans. Par ailleurs, il prend de la bouteille et à la bonne idée de s'entretenir en soulevant de la fonte ce qui le rend très appétissant même sans t-shirt. Mais ça n'est que mon avis...

Pour eux, pour ces deux garçons qui s'aiment tant et que l'injustice sépare, courez-vous voir ce film avec votre Valentin(e), ou sans !

Le film de clôture fut un tourbillon, un éblouissement et j'en frissonne encore d'extase ce matin.

C'est le premier film de Duncan Jones (fils de... et ben vous avez qu'à chercher ça vous fera votre travail du "communlundi"), avec un acteur magnifique et seul au monde : Sam Rockwell que j'aime d'amour,

mais je n'ai pas le temps de vous en parler, j'ai 500 bornes à faire moi m'sieurs dames. Il y a de grandes chances que ce film fantastique à plus d'un titre sorte en mai, bande de veinards !

Je vous en parle dès que possible, dès que j'ai réussi à reprendre le cours normal d'une vie ordinaire... ou le cours ordinaire d'une vie normale...

Film en compétition - Pays-Bas/Irlande

Festival International du Premier Film d'Annonay.

Une jeune femme triste vide son appartement en Hollande et part seule sur les routes d'Irlande et plus particulièrement dans le quasi désert du Connemara. Au hasard de son errance elle s'arrête chez un homme beaucoup plus âgé qu'elle, qui vit seul au milieu de nulle part. Il lui propose de la nourrir en échange de quelques travaux de jardinage et de ménage. Elle accepte à condition qu'il ne lui pose aucune question et qu'il n'y ait entre eux aucune conversation d'ordre personnel. Elle refuse même de lui révéler son prénom. L'homme accepte le "deal". La cohabition, l'intimité puis la complicité vont avoir raison des résolutions de ces deux solitaires misanthropes, excessifs mais brisés.

Dans une première partie quasi silencieuse mais stupéfiante de beauté en partie grâce aux paysages arides de la lande irlandaise incessamment balayée par le vent, on suit le parcours de cette sauvage qui semble ne rien craindre et n'avoir ni rien à perdre ni à espérer. On est "into the wild" en compagnie d'une fille d'une beauté renversante bien que sans artifice, mal coiffée, habillée de couches successives pour se protéger du froid, de l'humidité et sale, elle fouille les poubelles pour se nourrir.

La rencontre avec l'homme va encore ajouter du mystère à cette histoire qui en recèle déjà beaucoup. Car la réalisatrice non contente de nous plonger au coeur d'une étrange histoire avec deux personnages énigmatiques mais séduisants nous égare en chapitrant son film de titres qui n'ont pas forcément de rapport direct avec ce qui se passe sur l'écran : solitude, la fin d'une relation, mariage, le début d'une relation et seule.

Comme il n'est pas (toujours) nécessaire de comprendre tout d'un film pour l'aimer, de résoudre les énigmes pour en goûter le mystère, ce film s'inscrit au plus profond de soi. On le regarde le coeur serré sur ce qui est en train de naître à l'écran, qu'on imagine, qu'on anticipe, qu'on prévoit et qu'on finit par souhaiter... Les yeux sont grands ouverts sur la splendeur des paysages mais aussi goûtent la délicatesse et la sensualité de scènes de repas essentielles, d'une scène de danse et de beuverie inoubliable. Et la musique par intermittence vient remplir l'espace.

Ce "Nothing personal" est littéralement illuminé par deux acteurs absolument fascinants. D'abord Stephen Rea accomplit des merveilles en vieil ermite au charme démesuré. Mais surtout l'inconnue Lotte Verbeek qui ne se contente pas d'être d'une fraîcheur et d'une beauté rares, idéales mais compose un personnage d'une spontanétié, d'un naturel et d'une évidence folle qui la rendent irrésistible.

Un film d'amour hors norme et hors du commun.

Do-joon vit (et dort) avec sa mère. Un peu « simplet », un peu inadapté, il est la risée des jeunes de son âge, un peu leur souffre-douleur, un peu leur faire-valoir, leur cible et leur tête de turc. Devant la fragilité et la naïveté de son fils qui a néanmoins des velléités d’indépendance et consciente de la cruauté des autres, sa mère est constamment anxieuse et tourmentée. Elle surprotège son fils avec demesure.

Alors qu’une jeune fille du village est retrouvée morte et que quelques indices mènent à Do-joon, proie facile et coupable idéal, il est incarcéré. La police ne cherche pas plus loin puisque Do-joon signe ses aveux et l’avocat ne s’intéresse guère à l’affaire. La mère comprend qu’elle ne peut compter que sur elle et entre deux visites à la prison où elle aide son fils à retrouver sa mémoire défaillante, entreprend elle-même de mener l’enquête.

Dès la première scène où la mère seule au milieu d’un champ de blé se met à danser, on comprend qu’il n’y a pas que son fils qui soit un peu fêlé. Cette mère protectrice voire castratrice ira d’ailleurs jusqu’au bout d’une certaine forme de folie pour prouver l’innocence de son fils. Ce qu’elle va découvrir la mènera au cœur d’une histoire plutôt poisseuse qui ne cessera de rebondir.

Tout semble simple et évident au départ. On voit et on revoit les événements du point de vue de Do-joon dont le témoignage se précise à mesure qu’il prend des coups. Plus on lui tape sur la tête, plus ses souvenirs remontent loin et se précisent. Ce qu’il distingue parfois le plonge dans un profond désarroi. Ça peut être drôle et l’instant suivant complètement angoissant. Et le film ne cessera d’osciller entre drame et comédie pour le plus grand plaisir du spectateur qui sera également plongé au creux d’un suspens très réjouissant qui l’égarera, le mènera sur de fausses pistes. La résolution finale, la prise de conscience, l’effet sur les personnages sont tout simplement glaçants.

Le réalisateur reconstruit l’histoire, nous présente certaines scènes d’un autre point de vue et recompose sous nos yeux le puzzle en remettant en place les aspects qui auraient pu sembler improbables. Engagé comme un film qui parle d’instinct maternel, de liens profonds entre une mère et son fils marginal et retardé, ainsi que l'évocation d'une forme d'injustice et d'écart entre les nantis et les pauvres, le virage vers le thriller implacable est amorcé et aboutit à un épilogue inattendu.

Joon-ho Bong ne sait pas simplement raconter une histoire, il sait aussi la filmer. Ses paysages, ses ambiances sous le soleil ou sous la pluie, ses éclairages, ses ruelles… tout est beau dans ce film porté par l’actrice Kim Hye-Ja qui est une star en Corée et symbolise dans tous ses films la mère parfaite et idéale. Dernière perversion du réalisateur, en faire une mère implacable vraiment capable de TOUT pour sauver son fils…

Avant d’être Serge Gainsbourg, Gainsbarre fut Lucien Ginsburg un petit garçon qui vit avec ses parents, juifs et russes. Dans le Paris occupé des années 40, le jeune Ginsburg est le premier à aller chercher son étoile jaune. Il clamera bien plus tard en affrontant des paras violemment mécontents qu’il ait donné une version reggae de la Marseillaise : « je suis un insoumis ». Mais comme le précise Joann Sfarr : « Ce ne sont pas les vérités de Gainsbourg qui m'intéressent mais ses mensonges », il ne s’agit donc pas d’un « biopic » ordinaire mais d’un conte revendiqué où des libertés sont prises et d’ailleurs peu importe où et quand. Ce qui compte c’est que ce film est beau, beau à entendre et beau à voir.

La première partie qui retrace quelques épisodes de l’enfance est même tellement sublime que j’aurais eu envie qu’elle se prolonge. Le jeune Kacey Mottet qui interprète Gainsbourg enfant y est absolument prodigieux. Enfant et jeune homme, Gainsbourg ne s’intéressait qu’à la peinture et au dessin. Heureusement (pour nous) son père, lui-même pianiste eut l’excellente idée de l’obliger à se mettre à la musique. Ce n’est que bien plus tard alors qu’il cachetonne dans des pianos bars et par le hasard d’une rencontre avec Boris Vian (Philippe Catherine, génial) puis Juliette Gréco qu’il se mettra peu à peu à la chanson, cet art mineur comme il le disait, mais qu’il a porté au zénith comme on le sait.

Sûr de lui et de son génie, il est aussi et surtout un être fragile, timide, sensible et angoissé qui brûle sa vie par tous les excès, notamment dans l’alcool et le tabac. Le sexe évidemment viendra plus tard, comme par harsard et il sera le premier étonné de son pouvoir de séduction. Car Gainsbourg est également complexé et persuadé d’être laid et ce ne sont pas les nombreuses et sublimes femmes qu’il aimera et qui l’aimeront qui lui feront prendre confiance en son physique. Avec son nez et ses oreilles il se rebaptisera lui-même "l’homme à tête de chou, moitié légume, moitié mec". Et il est vrai qu'il n'est pas banal Gainsbourg et qu'il ne ressemble à personne.

Ses amours difficiles et désespérantes, ses volutes bleues, ses vapeurs d’alcool, sa beauté de laid ont toujours inspiré ses mots et ses musiques intemporels et éternels.

Et comment s’en sort Joann Sfar pour raconter comme un conte un peu de la vie de cette légende ? Mieux que bien. Et ce qu’on peut affirmer c’est qu’il sait raconter des histoires et que dès le générique : on plonge. Parce que les premières notes de Melody Nelson (je crois) sur des images animées, des dessins animés, d’emblée, instantanément, allez savoir pourquoi, ça étreint le cœur. Le bonhomme au grand nez et aux grandes oreilles qui semble voler, on le connaît, c’est Gainsbourg drôle et inquiet. On entre dans sa vie et on découvre que dès tout petit, l’imaginaire, l'inspiration et l'impertinence occupaient pratiquement toute la place et qu’un gros bonhomme un peu effrayant mais pas tant que ça le suivait partout et toujours. Plus tard, ce double se transformera en une grande marionnette mi monstre mi dandy. C'est Gainsbarre, la (mauvaise) conscience, la part Mister Hyde qui est en Gainsbourg, celle qui donne les conseils et son avis en permanence, qui fait douter, avancer, se tromper... Et c’est magnifique.

Le reste, tout le reste est affaire de rencontres et de ruptures, de bonheur et de deuils, de création, d’idées de génie, de provocations, de caprices, de doutes, de colère, de la santé mise en danger… et jusqu’à la mort du chien « d’une cirrhose, sans doute par osmose ».

Les rencontres sont déterminantes, depuis celle impromptue avec Fréhel (Yolande Moreau,magique comme toujours) jusqu’à Bambou la dernière femme aimée. C’est pourtant dans l'évocation de la succession des amours que le réalisateur se montre le moins adroit. Alors que jusque là tout n’était que fluidité et harmonie, la chronologie des rencontres ressemble à un moment à un catalogue : la première amante, la première épouse, Juliette Gréco (Anna Mouglalis, bof), Brigitte Bardot (Laetitia Casta, renversante et parfaite) le grand amour partagé mais douloureux, France Gall (Sara Forestier, la seule à être ridicule), Jane Birkin (Lucy Gordon) puis Bambou (Mylène Jampanoï). L’autre aspect étrange et regrettable est la part qui semble nettement insuffisante consacrée à Jane Birkin.

Mais il serait malhonnête et sans fondement de bouder un film aussi brillant pour les yeux et les oreilles, émouvant, un film qui éveille les sens et réveille les souvenirs, un film qui fait aimer, découvrir ou redécouvrir un homme, un artiste, hors du commun, empli de contradictions, d’élégance, d’impertinence, un sentimental émotif qui aima et fut aimé passionnément donc douloureusement.

Et puis, comment ne pas se réjouir de voir sous nos yeux extasiés et admiratifs, un acteur considérable (Eric Elmosnino) qui élève son interprétation au niveau du prodige ?

Un acteur et un réalisateur qui aiment autant leur personnage, sans le singer ou le caricaturer, sans le trahir c’est formidable et admirable.

Bravo.

Vincent, 19 ans est retrouvé mort dans le Rhône, des marques de strangulation au cou, une profonde plaie au genou sans doute causée par une batte de base-ball. Sa petite amie, Rebecca a disparu. Deux flics, Hervé et Karine enquêtent et retracent le parcours de Vincent et de Rebecca au cours des deux derniers mois. Il se prostituait, elle était encore lycéenne.

Je ne saurais dire ce qui est le plus captivant dans ce film où tout est impressionnant de maîtrise.

S’agit-il d’un film déconstruit ou reconstruit ?

En tout cas si dès les premières images, Vincent mort n’est plus qu’un cadavre bouffi et tuméfié et qu'on craint de « tomber » une nouvelle fois sur une histoire de loubards, il n’en est rien. Rapidement on remonte quelques mois en arrière et on retrouve Vincent (Cyril Descours, un ange renversant !) dans un cyber café. Il « drague » le client sur Internet. C’est dans ce café que son regard croise celui de Rebecca (Nina Meurisse, exceptionnelle) et c’est l’amour. Instantanément. Vincent note le numéro de Rebecca, ils se revoient, l’évidence, ils s’aiment.

Le réalisateur, dont c’est le premier film, ne cessera d’alterner entre le cheminement de l’enquête et la vie des deux tourtereaux avant qu’elle ne bascule violemment et définitivement dans l’horreur.

Il ne s’agit pas pour autant d’un énième polar classique, ce qui serait déjà pas mal tant l’enquête est passionnante et nous permet d’explorer un thème pas courant : la prostitution masculine chez de très jeunes garçons. C’est aussi, c’est encore, c’est surtout un film qui observe, décortique et met en parallèle la psychologie des deux jeunes gens souvent insouciants et celles des deux enquêteurs quadras pas mal cabossés par la vie. Les seconds se projetant pas mal dans les premiers jusqu’à y voir un peu le résultat de ce qu’auraient pu être leurs propres erreurs et même jusqu’à se dire qu’ils pourraient être leurs enfants !

Rebecca, d’abord affectée d’apprendre que Vincent se prostitue le rejette puis souhaite partager avec lui ses rencontres. Ils vont donc jouer à ce jeu dangereux mais lucratif, avec beaucoup d’insouciance puis d’imprudence.

Ils boivent des vodka/pomme et mangent des fraises tagada… font preuve d’une maturité saisissante du point de vue de leurs pratiques sexuelles et ne sont par ailleurs pas encore tout à fait sortis de l’enfance notamment dans leur rapport puéril à la nourriture. Mais les jeux d’adultes vénéneux auxquels ils se livrent les font plonger dans une spirale de violence inattendue et irréversible.

On connaît l’issue concernant Vincent mais il reste néanmoins plein de zones d’ombre : qui l’a tué, où est Rebecca ? Ce suspens haletant est maintenu de bout en bout, et les incursions dans la vie de Karine et Hervé les deux flics, n’est pas l’aspect le moins passionnant de l’histoire. Ils sont collègues et amis mais Karine aveuglée par sa solitude ne  voit pas le désarroi d'Hervé lorsqu’elle lui raconte les rencontres qu’elle fait sur « Meetic ».

Parler de désir, de séduction, de solitude, de rapports amoureux, de sexe mais aussi de cœurs qui battent, pas forcément à l’unisson, dans un polar, est vraiment formidable et inédit. Ce premier film est une totale réussite.

La faute en incombe évidemment aussi à Emmanuelle Devos et Gilbert Melki, plus que parfaits l’un comme l’autre. Il faut notamment voir le macho Melki se faire tripoter par un très beau jeune homme ! Mais leurs tête-à-tête au restaurant ou autour d’une table de ping-pong sont plus éloquents que bien des discours.

Et puis les deux jeunes acteurs, amoureux dans le film, empoignent leur rôle avec beaucoup d’audace, d’énergie et de conviction. On peut dire qu’ils n’ont pas froid aux yeux et parviennent à faire admettre des scènes osées pas courantes avec un naturel déconcertant.

Polar et film d’amour à la fois, ce film porte admirablement son titre car la complicité des 4 acteurs principaux déchire l’écran. La toute dernière scène, la toute dernière réplique sont vraiment poignantes.

Je précise que ce premier film fera l’ouverture du Festival d’Annonay le vendredi 29 janvier et si toute la sélection est de ce niveau… vivement !

En février 1991, un convoi officiel avance sur une route de Johannesburg en Afrique du Sud. Dans l’un des véhicules se trouve Nelson Mandela libéré après 27 années d’emprisonnement. D’un côté de la route des noirs pieds nus applaudissent et acclament celui qui un an plus tard deviendra le premier président noir de l’Afrique du Sud. De l’autre côté de la route, derrière des grillages, une équipe de rugbymen tous blancs se désole de voir leur pays livré à « la racaille ».

C’est dans ce pays coupé symboliquement en deux, irréconciliablement dominé par la haine raciale qui creuse un gouffre infranchissable entre les riches blancs et les noirs très pauvres que Mandela devient Président. Le Championnat du Monde de Rugby en 1995 lui donne l’opportunité de tenter d’unifier tous les sud-africains derrière l’équipe nationale. Il va utiliser, de façon tout à fait consciente, lucide et opportuniste cet événement sportif mondial comme manœuvre politique.

Si « notre » victoire « cocoriquienne » de 1998 en football n’était pas une stratégie politique, on ne peut nier qu’elle fût un incontestable, extraordinaire, invraisemblable mais éphémère grand moment de partage, de communion, de tolérance et de compréhension où toutes les « communautés » black, blanc et beur avaient fusionné dans un même élan d’amour… qui fut transitoire. Comme il le sera là-bas.

Je lis quand même ici et là que Clint selon sa bonne habitude de prendre les spectateurs pour des cons, leur faire avaler des couleuvres, prendre leur vessie pour des lanternes éclairantes (et j’en passe)… cherche ici à nous démontrer que Mandela a réglé le « problème » de l’apartheid autour d’un match ! Je passe sur ce raccourci et je n’entrerai de toute façon pas dans les discussions (quitte à encore faire passer ce blog pour péremptoire et catégorique) qui ont fait de Clint Eastwood, suivant les époques et les circonstances, un facho, puis une légende vivante et dont il devient « tendance » et de bon ton actuellement de tenter de déboulonner la statue qui lui a été érigée.

Clint je l’aime d’amour, c’est un fait, mais il y a certains de ces films que j’ai trouvés franchement mauvais (ex. « Jugé coupable », « la Relève ») et d’autres vraiment parfaits (ex. « Un monde parfait »).

Celui-ci est imparfait mais admirable et magnifique. Et j’ai vibré le coeur battant je vous assure pendant deux heures comme quand on ne connaît pas le résultat d’un match important j’imagine.

Clint ne s’intéresse pas à ce qui s’est passé après la victoire mais à l’espoir et aux moyens que Mandela met en œuvre pour parvenir à cette union dans un « but » commun, en donnant à son peuple un motif de fierté rassembleur. C’est très malin et même si c’est magique, naïf, chimérique et hélas fugace, c’est très beau et très cinématographique. Et c’est un film de Clint…

Les sportifs ou fans de rugby en particulier (à l’inverse de moi qui voit peu ce sport comme un sport de gentlemen mais plus comme un combat de bourrins qui se rentrent dans le lard) seront sans doute déçus car de l’avis d’amateurs, il semblerait que les quelques scènes sur le terrain soient ratées… ce que je n’ai pas ressenti. Elles ne m’ont nullement dérangée, car elles ne sont ni trop longues ni trop abondantes. Ce n’est évidemment (et heureusement) pas un film sur le rugby. Ce qui motive Clint c’est la façon dont Mandela qui n’y connaissait manifestement rien dans ce sport mais va y prendre goût, va mener l’équipe à la victoire en rencontrant plusieurs fois l’incrédule capitaine de l’équipe François Pienaar un « afrikaner » en lui donnant des pistes pour mener et motiver son équipe. En le faisant réfléchir sur la force des mots, le pouvoir de l’esprit, la capacité à se dépasser soi-même jusqu’à se surpasser et triompher de l’adversité. Il met en parallèle sa condition de détenu dont 27 années d’enfermement n’ont pas altéré sa capacité à espérer, à pardonner, et la situation de l’équipe des Springboks particulièrement mauvaise et sélectionnée miraculeusement et uniquement parce que le championnat aura lieu en Afrique du Sud, et par ailleurs symbole de la domination blanche dans un pays majoritairement noir. Autant le dire, l’équipe de rugby qui ne compte qu’un seul noir (adulé) dans ses rangs est davantage objet de moqueries et signe d’affrontements ou d’indifférence que motif de rassemblement. C’est dire si Mandela comme le capitaine de l’équipe ont du pain sur la planche.

Dès sa prise de fonction le Président explique à l’équipe de son prédécesseur abasourdie et en grande partie composée de blancs qui s’attendent à quitter leurs postes, qu’il n’a l’intention de renvoyer personne. Pour lui l’union de leur pays tellement divisé sur une question de couleur de peau ne peut que commencer par le modèle que lui donne le sommet. Que ce soit dans les équipes qui l’entourent dans les bureaux autant que dans son groupe de gardes du corps, Mandela rassemble et souhaite avant tout agir par l’exemple de ce qu’il donne à voir. Il se bat contre la domination qu’elle soit noire ou blanche. Son idéal est une démocratie dans une société libre, juste, où chacun est égal à l’autre !

Evidemment, ici encore le cinéma semble être un rêve inaccessible plus fort et plus beau que la réalité, mais Mandela existe et il est cet homme humain plus qu’humain devant lequel Clint Eastwood se prosterne. Et il nous entraîne dans son heureuse contemplation. Mandela est trop beau pour être vrai. Il est Gandhi, il est un saint… quoique non, pas un saint… mieux qu’un saint, un ange d’intelligence, de douceur, de non violence, un idéaliste, un humaniste. Un homme d'autant plus rare qu'il met en application ce qu'il dit et ce qu'il fait. Mais c'est surtout un homme, ce qui nous est rappelé dans un moment où il est pris d’un malaise le contraignant au repos…

Ce film est magnifique parce qu’il m’a fait vibrer de la première à la dernière seconde sur les traces d’un homme sublime, admirable et sur sa captivante destinée dont il assure avoir toujours été maître, aidé par le poème (que vous pouvez retrouver ici) qui l’a aidé à vivre sa captivité.

Le tour de force est aussi de nous entraîner sur le chemin de la victoire, vraiment pas acquise, comme si on ne connaissait pas l’issue des matchs. Et Clint sait à merveille magnifier l’intensité de certaines scènes par sa mise en scène lyrique. Et nous saisir, nous embarquer dans un profond désarroi en nous faisant visiter la minuscule cellule de Nelson Mandela dans la prison de Robben Island.

Sur ce film ensorcelant qui prouve encore à quel point le réalisateur sait nous raconter de belles histoires, flotte aussi l’ombre d’un brillant directeur d’acteurs. Il faut dire que le trio de tête est irréprochable. D’abord Tony Kgoroge dans le rôle du chef des gardes du corps qui doit non seulement rassembler son équipe « arc en ciel » mais veiller avec inquiétude, anxiété sur la vie de l’homme devenu libre et surexposé qu’est le Président Mandela.

Ensuite Matt Damon, très crédible en rugbyman dont il s’est fait la carrure, chargé de mener son équipe à la victoire. Mais aussi particulièrement sensible, modeste, humble et admiratif de la personne de son très inattendu « coach ». Chacune des rencontres entre les deux hommes qui se jouent plus en poignées de main et regards qu’en mots sont des moments palpitants de ce film qui ne l’est pas moins.

Et évidemment, je ne vois pas quel superlatif serait suffisant pour parler de Morgan Freeman dont c’est la troisième collaboration avec Clint Eatswood (et déjà deux Oscar…) et qui ici, au sommet du sommet est Nelson Mandela affaibli jusque dans la démarche, « mimétique » dans la prononciation. Cet acteur charismatique interprète, illustre et représente un homme irrésistible et fascinant.

"Aussi étroit soit le chemin,

Bien qu'on m'accuse et qu'on me blâme
Je suis le maître de mon destin,

Le capitaine de mon âme."

Grégoire Canvel passe une grande partie de sa vie au téléphone, à répondre à tous partout où il se trouve, quand il marche, quand il mange, quand il conduit. Il est producteur de cinéma. Il a un sixième sens mais aussi une qualité inappréciable : il aime le cinéma passionnément et s’en fait une très haute opinion. Il reçoit les scénaristes, lit ce qu’ils ont écrit, se bat seul contre tous pour financer le film d’un réalisateur aux exigences astronomiques et caprices démesurés. Il console éventuellement un acteur qui se sent mal sur un tournage. Bref, en plus d’être un passionné, hyperactif et charismatique, c’est un type bien.

Chez lui, c’est la famille Ricorée, en mieux : une femme aimante, trois filles merveilleuses, une grande maison à la campagne, un superbe appartement à Paris. Il est un père attentif amoureux fou de ses filles, d’une complicité admirable avec sa femme qui l’écoute et le comprend.

Hélas, pour parvenir à faire aboutir des projets exigeants, différents, du « cinéma d’auteur » non formaté, Grégoire prend de gros risques financiers jusqu’à hypotéquer sa société, son « catalogue » de films, ses biens propres.

Lorsque les ennuis deviennent insurmontables, que les banquiers ne suivent plus, que l’Urssaf et les huissiers sont à ses portes, Grégoire perd totalement pied. Le mot « échec » résonne dans sa tête comme la pire honte. Le désespoir s’abat sur lui comme un cataclysme. Il se suicide.

Stupeur de l’entourage professionnel et familial qui n’a rien vu venir et qui va devoir assumer les dettes, tenter de sauver ce qu’il y a à sauver et se reconstruire.

Rarement on a l’occasion de voir à l’écran un acteur instantanément charismatique s’emparer aussi littéralement et de façon si convaincante d’un rôle et d’un film tout entier (car son absence ne cessera de hanter et de nous manquer). Louis Do de Lencquesaing est cet acteur magnétique au pouvoir de séduction XXL qui disparaît en plein milieu de l’histoire mais qui aura marqué à jamais les autres personnages et les spectateurs. Loin de l’image cliché du producteur à lunettes noires ou gros cigare derrière un bureau tape à l’œil, Grégoire est un passionné qui se bat pour le cinéma, à l’écart du glamour. Pour ce personnage, Mia Hansen-Love ne cache pas s’être largement inspiré d’Humbert Balsan, producteur français précieux qui s’est donné la mort en 2005 et qui est à l’origine de découvertes indispensables telles que « Y’aura-t-il de la neige à Noël ? » de Sandrine Veysset, « le Destin » de Youssef Chahine ou encore « Quand la mer monte » de Yolande Moreau. Raviver la mémoire de cet homme irremplaçable n’est pas le seul atout du doux, tendre et merveilleux film de la réalisatrice. Il permet de mettre en lumière un métier méconnu qui semble vraiment acrobatique et passionnant. Mais pas seulement.

Comme dans son premier film, l’admirable et délicat « Tout est pardonné », Mia Hansen-Love parle de la famille, de l’enfance, de ce qui construit, détruit ou aide à avancer. Elle pose des questions sans y répondre, sans pathos, sans agitation. Que sait-on des gens qu’on aime et qui partagent notre vie ? Comment peut-on passer à côté d’un tel désespoir sans le voir, alors qu'ici Grégoire sème de petits indices… ? Comment continuer à vivre sans ou avec la culpabilité ? Comment l’éviter ou la surmonter ?

Elle élude intelligemment les scènes à fort pouvoir lacrymal comme l’annonce de la mort ou l’enterrement. Elle se concentre sur le chagrin que chacun combat avec ses moyens, sur la vie qui continue malgré tout, les filles qui continuent à grandir pour se diriger vers leur vie d'adultes, malgré cette perte douloureuse, ce manque profond que rien ni personne ne comblera jamais.

Louis Do de Lencquesaing est Grégoire, convaincant, bouleversant, déchirant mais le reste du casting dans son ensemble, jusqu’aux trois petites filles, est idéal et formidable et prouve que Mia Hansen-Love, en plus de savoir raconter des histoires avec intelligence et profondeur est une exceptionnelle directrice d’acteurs.

Que peuvent bien avoir en commun Stéphane qui va accepter un marché bien tordu pour essayer de se sortir de la mouise, Zohra algérienne qui vient en France pour comprendre comment et pourquoi son fils est mort et Laure jeune fille de 16 ans incomprise qui va s’amouracher d’un jeune rebelle un peu révolutionnaire ?

Simplement et accidentellement, ils vont tous se retrouver à faire la queue pour entrer au parloir d’une prison du sud de la France. Et ce film, le premier d’une jeune réalisatrice de 28 ans nous y conduit de façon magistrale après nous avoir fait partager un peu la vie de chacun des personnages pendant deux heures exceptionnelles. Et ses personnages, elle les aime, elle ne les stigmatise pas, ne les juge pas et du coup on entre avec une facilité déconcertante en empathie avec eux.

Réussir un film choral est un exercice de haute voltige et Léa Fehner le maîtrise admirablement. Les trois personnages principaux n’ont rien à voir les uns avec les autres, ne se rencontrent pas, leurs histoires n’ont rien en commun, sauf peut-être la tragédie, l’événement ou la décision qui va les mener au parloir, mais elles nous sont racontées avec une fluidité, une cohérence et une progression dramatique tellement maîtrisées qu’elles forcent l’admiration.

De prison il est question et pourtant on n’y passe relativement peu de temps. Tout se joue également à l’extérieur, car la prison ne détruit pas uniquement ceux qui y sont entre les murs. Mais la réalisatrice tourne autour du bâtiment imposant et monstrueux, nous laissant découvrir le no man’s land où il est construit mais aussi percevoir les bruits tellement caractéristiques tels que les clés qui tournent dans les serrures, les portes qui claquent et les cris qui fusent constamment.

Par touches successives, la réalisatrice décrit les moments où la vie de chacun va basculer pour parvenir à son épilogue et on aimerait pouvoir prolonger encore cet accompagnement et savoir ce qu’ils vont devenir.

La maîtrise de son sujet et de sa réalisation n’est pas le seul atout de Léa Fehner et elle peut y ajouter une direction d’acteurs hors pair. Elle a tiré le meilleur des quelques joyaux qui composent son extraordinaire casting. La petite Pauline Etienne en ado/adulte « pas si jeune que ça » est toujours d’une justesse impressionnante, Farida Rahouadj incarne à elle seule toutes les femmes maternelles/« maternisantes » du cinéma, Julien Lucas le jeune médecin mufle, macho se transforme imperceptiblement et succombe presque à son insu, Marc Barbé est un élégant manipulateur tout en finasseries, Vincent Rottiers voyou charmeur souvent au bord de l’implosion, et bien sûr surtout Reda Kateb, déjà particulièrement remarquable dans « Un prophète », il prouve ici ce qu’est un Acteur tout en douceur...

Mais au fond il n’est pas étonnant qu’avec un titre aussi magnifique Léa Fehner ait réussi un film qui y ressemble, humain, intense, fiévreux et chaleureux.